راهنمای خرید پیانو، آکوستیک یا دیجیتال؟

کدام یک برای من مناسب است؟

پیانو آکوستیک (مکانیکی) یا دیجیتال (الکترونیکی)؟

 

این سوالی است که برای خیلی‌‏ها پیدا کردن جوابش راحت نیست. فاکتورهای زیادی در تعیین جواب این سوال به ظاهر ساده دخیل هستند. با تمرکز بر روی مزایا و معایب هر کدام می‎‏توان پیانو مناسب را انتخاب کرد.

 

پیانو دیجیتال بر خلاف پیانو آکوستیک به صورت الکترونیکی صدا تولید می‏‌کند. در واقع پیانوهای دیجیتال نوعی کیبورد الکترونیکی هستند که به عنوان جایگزینی برای پیانوهای آکوستیک به بازار عرضه شدند. پیانو دیجیتال ۸۸ کلید دارد و سعی شده از نظر کیفیت و نوع صدا، کلیدها و کارایی تا حد امکان شبیه به پیانو آکوستیک باشد.

 

مزایای پیانو آکوستیک

از مزایای این نوع پیانوها با این مورد شروع می‌‏کنیم که ذاتا می‌‏تواند جزئیاتی را تولید کند که پیانو دیجیتال قادر به تولید آن‏ها نیست. تجربه‏‌ی نواختن، هارمونیک‌‏ها، ارتعاشات، ظاهر و حس لمس پیانو آکوستیک مشابه تجربه‏‌ی نواختن با پیانو دیجیتال نیست. همچنین نسبت به پیانو دیجیتال بسیار بادوام‌تر است و می‌‏تواند تا چندین نسل عمر کند.

در صورتی که نواختن پیانو را تازه شروع کرده‌‏اید، استفاده از پیانو دیجیتال برای یادگیری آموزش‌‏های اولیه مناسب است اما به مرور که در نواختن پیشرفت می‏‌کنید لازم است پیانو آکوستیک بگیرید. اگر می‏‌خواهید پیانو کلاسیک بنوازید پیانو دیجیتال تنها برای شروع یادگیری مناسب است اما به محض اینکه با پیانو آکوستیک کار کنید تفاوت را متوجه می‌‏شوید به طوری که تمایلی به ادامه‏‌ی آموزش کلاسیک با پیانو دیجیتال را نخواهید داشت. پیانو دیجیتال از نظر کیفیت روز به روز به پیانو آکوستیک نزدیک‌‏تر می‌‏شود اما تجربه‌‏ی نواختن با پیانو آکوستیک چیز دیگری است.

 

معایب پیانو آکوستیک

تا اینجا از مزایای پیانو آکوستیک گفتیم و اما معایب آن؛ قیمت این نوع پیانو در مقایسه با پیانو دیجیتال خیلی بیشتر است، به دلیل وزن زیاد، جابه‌‏جایی و حمل آن به سادگی پیانو دیجیتال نیست و فضای زیادی اشغال می‏‌کند. به علاوه نگهداری و تنظیم آن علاوه بر هزینه‏‌ی اولیه، سالیانه مبلغی هزینه دارد و از همه مهمتر تنها می‌‏تواند صدای پیانو را تولید کند.

 

 

مزایای پیانو دیجیتال

با توجه به مزایای پیانو آکوستیک شاید این سوال پیش بیاید که پس چرا تعداد فروش پیانو دیجیتال در مقایسه با تعداد فروش پیانو آکوستیک بیشتر است. پیانو دیجیتال یک مزیت بزرگ دارد و آن هم این که قادر است صدای هر نوع ساز موسیقی قابل تصور را تولید کند. همین مزیت باعث شده که پیانو دیجیتال طرفداران زیادی داشته باشد. پیانو دیجیتال می‌‏تواند صدای یک ارکستر کامل را تولید کند. مدل‌‏های گوناگونی از پیانو دیجیتال تولید شده‌‏اند که قادرند یک گروه یا یک ارکستر کامل موسیقی را پوشش دهند. همچنین به کمک پیانو دیجیتال می‏‌توان کیفیت یادگیری از طریق نرم‌‏افزارهای آموزشی را ارتقا داد. به علاوه این امکان وجود دارد که پیانو دیجیتال را به کامپیوتر وصل کرد و یک استودیوی ضبط کامل داشت و با نواختن روی پیانو دیجیتال، پارتیتور همزمان از طریق کامپیوتر نوشته شود. بسیاری از نوازنده‌‏های حرفه‌‏ای در کنار پیانو آکوستیک یک پیانو دیجیتال هم دارند و به کمک آن تکنولوژی لازم را برای گروه موسیقی، ارکستر ویا صرفا برای سرگرمی فراهم می‌‏کنند.

باید اضافه کرد که قیمت پایین‌‏تر و راحتی حمل و جابه‌‏جایی از دیگر مزایای پیانو دیجیتال است. به علاوه نیاز به صرف هزینه برای نگهداری آن هم نیست. همچنین می‏‌توان به کمک هدفون در سکوت به نواختن پیانو دیجیتال پرداخت.

 

معایب پیانو دیجیتال

البته پیانو دیجیتال معایبی هم دارد؛ همان‏طور که در بالا اشاره شد پیانو دیجیتال برای کسانی که می‌‏خواهند پیانو کلاسیک یاد بگیرند و بنوازند مناسب نیست. همچنین ماندگاری کم از نکات منفی این پیانو محسوب می‌‏شود. این در حالی است که یک پیانو آکوستیک می‌‏تواند ۵۰ سال عمر داشته باشد. پیانو دیجیتال مثل سایر لوازم الکترونیکی با گذر زمان از نظر کارایی افت می‌‏کند اما پیانو آکوستیک کارایی‌‏اش با گذر زمان تغییر نخواهد کرد.

 

نتیجه‌گیری

در واقع می‌‏توان چنین نتیجه گرفت که اگر به عنوان مبتدی قصد خرید پیانو را دارید اما می‌‏خواهید در آینده پیانو خود را ارتقا دهید، اگر فاکتور هزینه را در نظر نگیریم، خرید پیانو آکوستیک گزینه‏‌ی بهتری است.

 

منبع: www.barbadpiano.com

حقایق جالبی درباره پیانو که نمی‌دانستید!!

حتما تا کنون زمان زیادی را به نواختن پیانو و یا حتی لذت بردن از ظاهر زیبا، شیک و لوکس آن اختصاص داده‌اید. اما شاید با مطالعه مطلب زیر تصور شما به کلی از این ساز عوض شده و با نگاهی ارزشمندتر به این ساز نگاه کرده و هویتی جدیدی به آن ببخشید. با مجله پیانو باربد همراه باشید.

۱. بسیاری از ما این ساز لوکس را یا دیده‌ایم و یا یکی از آن‌ها را در اتاق پذیرایی خانه خود جای داده‌ایم. این روزها کسی پیدا نمی‌شود که بتواند ادعا کند راجع به این ساز زیبا و خوش‌صدا چیزی نشنیده است اما شاید بد نباشد بدانید پیانو ساز جدیدی در دنیای موسیقی شمرده می‌شود. اولین پیانو در سال ۱۶۹۸ توسط بارتولو‌مئو کریستافوری (Bartolomeo Cristofori) در شهر پادووای ایتالیا ساخته شد. بنابراین پیانو سازی نوظهور است با قدمتی ۳۱۶ ساله که در برابر سازی همچون فلوت که قدمتی بیش از هزار سال دارد از تاریخچه کوتاهی برخوردار می‌باشد.

۲. نام پیانو مخفف کلمه ایتالیایی پیانو فورته (Piano et forte) می‌باشد. این کلمه از دو بخش تشکیل شده است: پیانو به معنی «ملایم» و فورته به معنی «با صدای بلند». این اسم به خوبی بیان‌گر قابلیت بالای این ساز در تولید صداهای گوناگون و متنوع از ملایم و نرم تا قوی با موج بالا می‌باشد.

۳. حدود ۱۲۰۰۰ قطعه در ساختمان یک پیانوی آکوستیک به‌کار رفته‌اند که حدود ۱۰۰۰۰ عدد از این قطعات متحرک هستند. قطعات بسیار ریزی که کارکردن دقیق و بی نقص همه آن‌ها برای اجرای درست و با کیفیت یک پیانو لازم و حیاتی است. کوچکترین خللی در اجرای هر کدام از این قطعات می‌تواند منجر به کاهش شدید کیفیت صدای تولید شده توسط پیانو شود.

۴. پیانو را مادر همه سازها یا سلطان سازها نامیده‌اند. علت آن نیز به این موضوع برمی‌گردد که پیانو قادر است محدوده بسیار گسترده‌ای از اصوات را تولید کرده و ملودی و هارمونی یک قطعه را به‌طور هم‌زمان اجرا کند.

۵. امروزه تنها سه عدد از پیانوهای ساخت کریستافوری در جهان موجود است.

پیانو تولید ۱۷۲۲، موزه ملی رم در بخش سازهای مختلف موسیقی
پیانو چهار اکتاوه تولید ۱۷۲۰، موزه متروپولیتن در نیویورک
پیانو چهار و نیم اکتاوه تولید ۱۷۲۶، موزه سازهای مختلف موسیقی در لایپزیگ آلمان

۶. اولین پیانو عظیم ساخته شده در جهان Challen Concert Grant نام داشته و توسط یک تیونر ۲۱ ساله نیوزلندی به نام Adrian Mann ساخته شده است. ساخت این پیانوی بزرگ چهار سال به طول انجامید. پیانویی با بیش از یک تن وزن، نزدیک به ۶ متر طول و نیروی تنش سیم حدود ۳۰ تن در هنگام اجرا. هرچند در سال‌های اخیر عنوان بزرگ‌ترین پیانو به پیانوی دست‌ساز معمار لهستانی به نام Daniel Czapiewski تعلق گرفته است. این طراح موفق به ساخت پیانوی بزرگتری به وزن دو تن و طول بیش از ۶ متر شده است. پیانویی که برای اولین بار توسط پیانیست معروف Leszek Mozdzer در یک میهمانی خصوصی نواخته شد.

بیشتر بدانیم: تاریخچه پیانو<br/>

 

۷. اولین صادرات پیانو در سال ۱۸۴۴ توسط یک آمریکایی به نام Jonas Chickering به کشور هند صورت گرفت.

۸. قبل از اختراع پلاستیک از عاج فیل برای روکش کلیدهای سفید پیانو استفاده می‌شد.

۹. پیانوهای گرند از اکشن سریع‌تری نسبت به پیانوهای دیواری برخوردارند. وجود اهرم تکرار در پیانوهای گرند به پیانیست این امکان را می‌دهد در شرایطی که چکش هنوز در نیمه راه مسیر بازگشت است، بتواند برای نواختن همان نت اقدام کند. در صورتی که در پیانوهای دیواری پیانیست باید صبر کند تا چکش مسیر بازگشت را به‌ طور کامل طی کرده و در حالت اولیه یا rest قرار بگیرد.

۱۰. در هر پیانوی آکوستیک حدود ۲۲۰ تا ۲۳۰ رشته سیم وجود دارد و هر یک رشته سیم حدود ۷۲ کیلوگرم کشش را طی اجرای قطعه تحمل می‌کند. در نهایت مجموع کششی که به بدنه پیانو تحمیل می‌شود حدود ۱۸ هزار کیلوگرم خواهد بود.

۱۱. هر پیانوی گرند به‌طور متوسط دارای وزنی معادل ۲۰۰ تا ۵۰۰ کیلوگرم می‌باشد. یعنی وزنی مشابه یک موتورسیکلت یا خودروی کوچک.

۱۲. گران‌قیمت‌ترین پیانوی موجود در جهان یک پیانوی گرند ساخته شده از جنس کریستال و تولید شرکت کانادایی Heintzman می‌باشد. این پیانو توسط لنگ لنگ (Lang Lang) پیانیست معروف چینی در افتتاحیه المپیک ۲۰۰۸ نواخته شد و پس از آن به مبلغ ۳.۲۲ میلیون دلار در یک حراجی فروخته شد. یک شهروند چینی به طور متوسط باید ۲۲۳ سال کار کند تا قادر به خرید این پیانو باشد.

 

۱۳. در بیستمین فستیوال بین‌المللی مجسمه یخی در سال ۲۰۰۴ یک پیانوی تمام یخ توسط هنرمندان مجسمه ساز ساخته شد.

۱۴. طولانی‌ترین کنسرت پیانو جهان توسط یک موسیقیدان لهستانی به نام Romuald Koperski اجرا شد و حدود ۱۰۳ ساعت و ۸ ثانیه به طول انجامید.

۱۵. تعداد کلیدهای تمامی پیانوهای امروزی لزوما ۸۸ عدد نیست. این تعداد در پیانوهای خاص با اهداف آهنگ‌سازی یا برگزاری کنسرت‌های خیلی بزرگ به منظور اجراهای بیشتر و گسترده‌تر اصوات افزایش می‌یابند. به عنوان مثال اجرای قطعاتی که توسط آهنگ‌ساز معروف باخ نوشته شده به پیانویی با بیش از ۸۸ کلاویه نیاز دارد. بوزندورفر یکی از شرکت‌های تولید پیانو با ساخت پیانوهای خاص شمرده می‌شود. پیانوهای ساخت این شرکت عموما از ۹۷ عدد کلاویه بهره می‌برند تا برای اجرای کنسرتی مورد مناسب‌تری باشند.

تاثیر موسیقی بر مغز انسان

موسیقی سلامت و کارایی مغز شما را از جنبه‌های زیادی بهبود می‌بخشد. موسیقی می‌تواند شما را باهوش‌تر، شادتر و خلاق‌تر کند. دانشمندان می‌گویند، گوش دادن به موسیقی برای شما خوب است، اما نواختن موسیقی از آن هم بهتر است! شواهدی درباره این موضوع را در دو بخش در مجله پیانو باربد بخوانید. مطالبی که در ادامه می‌خوانید از سایت‌های معتبر مقالات علمی انگلیسی استخراج شده و به شکل ساده و بسیار خلاصه ارائه می‌شوند. این مطلب علاوه بر اینکه برای عموم کسانی که می‌خواهند کیفیت سطح زندگی‌شان را ارتقاء دهند، حاوی نکات مفیدی است، برای دانشجویانی که قصد دارند نمونه مقاله علمی پژوهشی در زمینه تاثیر موسیقی در زندگی را پیدا کنند، منابع بسیار خوبی را فراهم کرده است. شماره‌هایی که در کنار برخی جملات آمده است، منابع مقالات علمی درباره تاثیر موسیقی هستند.

موسیقی از گذشته تا امروز در تمام فرهنگ‌های بشری نقش بسیار مهمی را ایفا کرده است. نکته جالب اینجا است که انسان‌ها در سراسر جهان در فرآیند ادراک و پاسخ به موسیقی یکسان عمل می‌کنند. (۱) پیشرفت‌هایی که در سال‌های اخیر در زمینه علم عصب‌شناسی حاصل شده است، این امکان را فراهم آورده است که بتوانیم تاثیرات موسیقی بر مغز را با معیارهای کمی اندازه بگیریم. علاقه و اشتیاق به پژوهش در زمینه تاثیرات موسیقی بر مغز انسان، باعث به وجود آمدن شاخه‌ای از پژوهش‌ها به نام نوروموزیکولوژی شده است. این شاخه از پژوهش‌ها به بررسی تاثیرات موسیقی بر سیستم اعصاب انسان می پردازد. شواهد نشان می‌دهد که موسیقی می‌تواند هر بخش‌ شناخته شده مغز را فعال کند. (۲) گوش دادن و یا نواختن موسیقی می‌تواند شما را هوشمند‌تر، شادتر، سالم‌تر و زایاتر کند در تمام سطوح زندگی. بیایید با نگاهی ریز‌بین‌تر به آخرین یافته‌های دانشمندان در خصوص راه‌هایی که موسیقی می‌تواند از طریق آن‌ها بر شکل و کارکرد مغز تاثیر بگذارد، بپردازیم.

چرا موسیقی‌دانان مغزهای سالم‌تری دارند؟

برای دیدن شواهدی مبنی بر اینکه موسیقی چه تاثیری بر مغز دارد، به نظر منطقی می‌رسد که به مغز کسانی که به طور مداوم با نواختن موسیقی درگیر بوده‌اند، یعنی موسیقی‌دانان بپردازیم. عکسبرداری‌های مغزی نشان می‌دهد که مغز موسیقی‌دانان با مغز سایرین فرق دارد. موسیقی‌دانان مغزهای بزرگ‌تر و حساس‌تری دارند. (۳) موسیقی‌دانان کارکرد حافظه، مهارت‌های شنیداری و انعطاف‌پذیری شناختی برتری دارند. (۴و۵) بخش‌هایی از مغز که مسئول توانایی حرکتی، پردازش شنیداری و هماهنگی فضایی هستند، در مغز موسیقی‌دانان بزرگ‌تر هستند. (۶) هم‌چنین آن‌ها corpus callosum بزرگ‌تری دارند. (۸) این بخش در واقع نواری تشکیل شده از اعصاب است که اطلاعات را بین دو نیمکره مغز جابه‌جا می‌کند. (۷) افزایش اندازه این بخش از مغز نشان می‌دهد که مغز موسیقی‌دانان از نظر ارتباط بین دو نیمکره عملکرد بهتری دارد. با اینکه ما موسیقی‌دان حرفه‌ای به حساب نمی‌آییم، ساعات زیادی را صرف گوش کردن به موسیقی می‌کنیم، چیزی حدود ۳۲ ساعت در هر هفته. به نظر می‌رسد که چنین زمانی، به اندازه‌ای کافی باشد که بتواند بر مغز افراد غیرموسیقی‌دان هم تاثیر بگذارد. (۹)

چطور موسیقی حال شما را بهتر می‌کند و استرس را کاهش می‌دهد؟

اخیرا علم توانسته چیزی را به اثبات برساند که عاشقان موسیقی از قبل می‌دانستند، اینکه موسیقی سرزنده و بانشاط می‌تواند حال لحظه شما را بهتر کند. نواختن موسیقی و گوش دادن به موسیقی با پایین آوردن هورمون استرس، کورتیزول باعث کاهش استرس مزمن می‌شود. (۱۰)، (۱۱) موسیقی می‌تواند به شما کمک کند تا امیدوارتر و قدرتمند‌تر باشید و کنترل زندگی خود را بهتر به دست بگیرید.(۱۲) (۱۳) گوش دادن به موسیقی غمگین هم مزایای خودش را دارد. اگر شما در حال گذران روزهای سختی در زندگی‌تان باشید، موسیقی غمگین برای شما مثل یک مسهل و تصفیه‌کننده عمل می‌کند! باعث می‌شود با عمیق‌ترین احساسات‌تان بهتر در تماس باشید و از این طریق به شفای شما کمک می‌کند. (۱۴)، (۱۵)

موسیقی مواد شیمیایی مغز را تقویت می‌کند

یکی از راه‌هایی که از طریق آن موسیقی می‌تواند روی حس لحظه شما تاثیر بگذارد، شکل‌دهی به مواد شیمیایی مشخصی در مغز است. گوش دادن به موسیقی می‌تواند دوپامین را به عنوان اتصال‌دهنده عصبی افزایش دهد. دوپامین به «مولکول انگیزش» مغز معروف است و سیستمی است که به محرک‌های لذت‌بخش پاسخ می‌دهد. (۱۶) این ماده شیمیایی همان ماده‌ای است که مسئول حال خوش شما است. وقتی، شکلات می‌خورید یا کوه‌نوردی می‌کنید و یا به اوج لذت جنسی می‌رسید. نکته جالب این جا است که شما می‌توانید با گوش دادن به یک پلی‌لیست موسیقی که به صورت تصادفی پخش می‌شود، باعث افزایش این ماده شیمیایی در خون‌ بشوید. وقتی به صورت غیرمنتظره، موسیقی مورد علاقه‌تان پخش شود، میزان دوپامین خون‌تان نیز مقداری افزایش می‌یابد. نواختن موسیقی در گروه یا حضور در یک اجرای زنده باعث ترشح هورمون اکسی‌توسین می‌شود. (۱۷) اکسی‌توسین به «مولکول اعتماد» یا «مولکول اخلاقیات» معروف است. (۱۸) چرا که زنجیره اعتماد ما به دیگران را می‌سازد و باعث می‌شود به آن‌ها حس نزدیکی داشته باشیم. شواهد نشان می‌دهد که بمب اکسی‌توسینی که موسیقی‌بازها تجربه می‌کنند، آن‌ها را سخاوتمندتر و قابل‌اعتمادتر می‌کند. (۱۹)

چطور موسیقی شما را خلاق‌تر و زایا‌تر می‌کند؟

شواهدی زیادی مبنی بر این وجود دارد که گوش دادن به موسیقی حین کار کردن باعث می‌شود تا شما کارمندی شادتر و زایاتر باشید. کارمندان دفتری که اجازه دارند تا به موسیقی دلخواه خودشان گوش بدهند، نسبت به کسانی که کنترلی روی انتخاب موسیقی در محل کارشان ندارند، با سرعت بیشتری وظایف محوله‌شان را انجام می‌دهند و معمولا ایده‌های بهتری هم به ذهنشان می‌رسد. (۲۰) پخش موسیقی هنگام انجام کارهایی که به قوای ذهنی و شناختی مربوط است، عملکرد را ارتقاء می‌دهد، دقت را بالا می‌برد و شخص را قادر می‌سازد تا کارهای تکراری را به شکل مؤثرتری تکمیل کند. (۲۱)، (۲۲)، (۲۳)

تاثیر موسیقی روی برخی از مشاغل خاص مورد مطالعه قرار گرفته است. توسعه‌دهندگان نرم‌افزارها وقتی حین کار به موسیقی گوش می‌دادند شادتر بودند و نتایج کارشان هم قابل توجه‌تر بود. (۲۴) وقتی که جراحان حین عمل جراحی به موسیقی گوش می‌دادند، عملکردی سریع‌تر و بادقت‌تر از خود نشان می‌دادند. (۲۵) این اثر بیشتر می‌شد اگر جراحان امکان داشتند تا موسیقی را خودشان انتخاب کنند. موسیقی باعث عملکرد بهتر افراد در شرایط پرفشار می‌شود. گوش کردن به موسیقی برای ورزشکاران پیش از اینکه وارد زمین بازی بشوند، می‌تواند به آن‌ها کمک کند تا استرس‌شان را کنترل کنند.(۲۶) موسیقی منبعی برای خلاقیت است، خصوصا وقتی که مفرح باشد. (۲۷) طی آزمایشات وقتی آزمایش‌شونده‌ها به موسیقی‌هایی گوش دادند که برچسب «موسیقی شاد» خورده بودند، خلاقیت بیشتری از خود نشان دادند. آن‌ها موفق شدند که به راه‌حل‌های خلاقانه‌تری دست یابند و تعداد ایده‌های بهتری در مقایسه با کسانی که به گونه‌های دیگر موسیقی گوش داده بودند یا اصلا به موسیقی گوش نداده بودند، به ذهن‌شان خطور کرد. نکته جالب ماجرا این‌جا بود که آزمایش‌شوندگان حتما نمی‌بایست موسیقی را دوست داشته باشند تا شاهد چنین اثراتی بر عملکردشان باشند.

چطور موسیقی از شما، انسان بهتری می‌سازد؟

موسیقی قدرتی دارد که می‌تواند طبیعت وجودی بهتری برای ما به ارمغان بیاورد. مطالعات جذاب‌تری که در این زمینه صورت گرفته است، مربوط به چیزی است که دانشمندان به آن رفتارهای بشردوستانه (prosocial behaviors) می‌گویند. این رفتارها، شامل رفتارهایی می‌شوند که افراد به طور داوطلبانه در قبال دیگران و در جهت سود رساندن به آن‌ها انجام می‌دهند، چیزهایی از قبیل: مهربانی، همدلی، سخاوت، کمک و همکاری. گوش دادن به موسیقی کمک می‌کند تا افراد بیشتر تمایل داشته باشند تا برای کمک به دیگران وقت و انرژی صرف کنند. (۲۸) این اتفاق بیشتر زمانی می‌افتد که افراد به طور گروهی از موسیقی لذت می‌برند، مثلا اینکه در یک گروه با یک موسیقی می‌رقصند یا گروهی موسیقی می‌نوازند و یا گروهی به کنسرت می‌روند. این اثر والای موسیقی هم در افراد بزرگسال و هم در کودکان دیده شده است. (۲۹)، (۳۰) شواهد نشان می‌دهد که موسیقی حتی می‌تواند بر کودکان دو ساله طوری اثر بگذارند که آن‌ها به افرادی کمک‌رسان تبدیل شوند. (۳۱)

در این زمینه، گونه‌ای از موسیقی که بیشترین اثر را دارد، موسیقی است که به همراه‌اش شعری خوانده شود که محتوای آن حامی مهربانی و کمک باشد. یک مثال کلاسیک از چنین آهنگ‌هایی، ترانه ما یک جهان هستیم (We Are the World) است که تا به حال برای اجرای بسیاری از اهداف بشردوستانه به کار گرفته شده است. گوش دادن به موسیقی مثبت، می‌تواند بر نحوه مهربانی و سخاوتمندی شما تاثیر بگذارد و حتی نحوه خرج کردن پول‌تان را نیز تحت تاثیر قرار دهد. مشتریان رستوران‌هایی که موسیقی‌هایی با پیام‌های مثبت پخش می‌کنند، معمولا انعام بیشتری پرداخت می‌کنند. اشعار پروسوشال در کافی‌شاپ‌ها حتی می‌تواند افراد را به خرید قهوه‌هایی با شعار «تجارت منصفانه» (fair trade coffee) وادار کند. موسیقی که با اشعار مثبت همراهی می‌شود می‌تواند در کاهش تعصب افراد و افزایش درجه پذیرش آن‌ها نسبت به عقاید مخالفشان موثر باشد. (۳۲)

منبع:
www.barbadpiano.com

بخش دوم این مطلب را در صفحه زیر ببینید:
تاثیر موسیقی بر مغز (۲)

کیهان کلهر، برنده جایزه WOMEX ۲۰۱۹

WOMEX یا World Music Expo پروژه‌ای است که به‌منظور گسترش موسیقی ملل و حمایت از آن برپا شده است. میزبان اصلی این پروژه کشور آلمان و شهر برلین است اما برنامه هرساله‌اش در کشورهای دیگر اروپایی نیز برگزار می‌شود. فعالیت‌های مختلف این پروژه شامل برگزاری کنفرانس‌، نمایش‌، کنسرت است و بخش جوایز را هم دربردارد. سایت WOMEX اعلام کرد که امسال (۲۰۱۹) جایزه هنرمند وومکس به کیهان کلهر،‌آهنگساز و نوازنده ایرانی تعلق گرفته است.

این جایزه در اکتبر ۲۰۱۹ در بیست و پنجمین سالگرد تاسیس وومکس در شهر تمپر فنلاند به کیهان کلهر اهدا می‌شود. کلهر با همراهی اردال ارزنجان (نوازنده باغلاما از ترکیه) در کنسرت اختتامیه وومکس ۲۰۱۹ روی صحنه می‌رود.

به گزارش سایت وومکس، کیهان کلهر می‌گوید:
دریافت این جایزه برای من بسیار باارزش است. اهدای این جایزه به‌نوعی قدردانی از فرهنگ غنی میهن من و هنر جاودانه ایرانی است که همواره روبه‌رشد و در سراسر دنیا محبوب است. درحالی‌که قدرت‌ها باعث تفرقه، مرزبندی و رواج تحمل‌ناپذیری‌ میان ملیت‌ها و اقوام مختلف می‌شوند، موسیقی ما را به هم نزدیک می‌کند و انسانیت را که بین همه ما مشترک است به یاد ما می‌آورد. من به عنوان یک شهروند جهانی در برابر این قدردانی سر فرود می‌آورم و کنار هنرمندانی می‌ایستم که موسیقی آن‌ها منادی اتحاد و یک‌رنگی است.

سایت وورد موزیک همراه با این خبر این ویدیو را از اجرای سال ۲۰۱۲ کیهان کلهر در فستیوال مورگن‌لاند در آلمان روی صفحه خود قرار داد.

 

منبع: www.barbadpiano.com

بهترین سن آموزش موسیقی به کودکان

آموزش موسیقی به کودکان یک راه فوق‌العاده است تا بوسیله آن کودک به بیان خود و اعتماد‌به‌نفس بیشتری دست یابد، اما پرسش این جا است که بهترین سن آموزش موسیقی به کودکان چه زمانی است؟ در این مطلب در مجله پیانو باربد سعی می‌کنیم تا شما را با برخی از دیدگاه‌های متخصصان در این حوزه آشنا کنیم.

دو مکتب اصلی در مورد این موضوع وجود دارد: مکتب اول را کسانی تشکیل می‌دهند که معتقدند، شروع یادگیری موسیقی باید در اسرع وقت و در زودترین زمان ممکن باشد. مکتب دوم معتقدند که باید صبر کرد تا کودک به اندازه کافی بزرگ شود که بتواند خودش در این باره تصمیم بگیرد. به طور مختصر به بررسی هر دو دیدگاه می‌پردازیم.

داستان‌های زیادی مبنی بر این وجود دارد که موتزارت اولین سمفونی‌اش را در سن ۸ سالگی نوشته است یا خواننده مطرح موسیقی آمریکا، استیوی واندر(Stevie Wonder)، در سن ۱۱ سالگی برای اولین بار با شرکت ضبط آثار موتاون (Motown) که از معروف‌ترین ناشران موسیقی است همکاری داشته است. نتیجه اینکه، فکر می‌کنیم این کودکان نابغه، لابد از سنین بسیار پایین‌تر نواختن موسیقی و آواز خواندن را شروع کرده‌اند. بسیاری از والدین معتقدند که برای اینکه فرزندشان ارتباط معنادار و مادام‌العمر با موسیقی ایجاد کند، باید در آموزش موسیقی به کودک خود را در زودترین زمان ممکن آغاز کنند. این دیدگاه البته به نظر نمی‌رسد که دیدگاهی کاملا درست باشد.

اگر کودک ۳ ساله شما از یادگیری موسیقی به طور رسمی در این سن لذت نمی‌برد، گزینه بهتر این است که در این سن از روش‌های دیگری که برایش لذت‌بخش‌تر است او را با دنیای موسیقی آشنا کنید. وقتی گوش دادن به موسیقی به طور مرتب در زندگی کودک حضور داشته باشد و یا اسباب‌بازی‌‌های موسیقایی در دسترس او قرار بگیرد، این احتمال قوی می‌شود که در آینده موسیقایی او تاثیر مفید داشته باشد. این نوع یادگیری غیررسمی موسیقی، راهی عالی است که سرآغاز سفر کودک شما در دنیای موسیقی را رقم خواهد زد.

ببینیم نظر مکتب دوم چگونه است. اینکه صبر کنیم تا کودک خودش تصمیم بگیرد که چه زمانی یادگیری موسیقی را شروع کند. اگر می‌خواهید صبر کنید تا فرزندتان خودش تصمیم بگیرد که چه زمانی آماده یادگیری موسیقی است، به نظر می‌رسد که باید برای همیشه منتظر بمانید. هر کودک شخصیت و چشم‌انداز منحصر به فردی به زندگی دارد و به همین علت ممکن است که به انواع سازهای مختلف گرایش پیدا کند و یا اینکه اصلا به سوی یادگیری موسیقی نرود و جذب هیچ سازی نشود!

تحقیقات نشان می‌دهد که بین سنین ۳ تا ۹ سالگی «پنجره‌ای از فرصت» به روی کودک باز می‌شود که طی آن حساسیت موسیقی کودک توسعه می‌یابد. در این محدوده سنی، کارکردهای ذهنی و شناختی مرتبط با درک عناصر موسیقی در حال شکل‌گیری هستند و استفاده مناسب از این مرحله طبیعی رشد می‌تواند منجر به زندگی موسیقایی غنی‌تر و ممتاز برای کودک شود. به همین دلیل بهترین سن برای آموزش موسیقی به کودکان در بازه سنی بین ۳ تا ۹ سال است. در این بازه هر کودک بسته به ویژگی‌های بدنی و ذهنی خاص خودش با دریافت میزانی تشویق از سوی پدر و مادر می‌تواند شروع به یادگیری موسیقی کند.

بهترین سن یادگیری موسیقی برای هر ساز

دانستن بهترین سن برای شروع یادگیری موسیقی برای هر ساز، یکی از مراحل حیاتی در جریان رشد موسیقایی کودک است. در مواردی ممکن است که کودک به لحاظ روانی آمادگی لازم برای شروع یک ساز را داشته باشد، اما به لحاظ بدنی دارای توانایی‌های لازم برای نواختن آن ساز نباشد، برای مثال ریه‌هایش هنوز به گنجایش کافی برای نواختن سازهای بادی نرسیده باشد. مواردی دیگر مانند صدایی که هنوز مشخصه‌های کودکی را دارد و به اندازه کافی برای آواز خواندن آماده نیست، کمبود چابکی کافی در حرکت انگشتان و چیزهایی از این قبیل. در ادامه پیشنهادهای سایت MUSIKA را در خصوص سن شروع موسیقی برای هر ساز می‌خوانیم.

• پیانو: ۴-۵ سال
• گیتار: ۷-۹ سال
• درامز: ۷ سال و بالاتر
• آواز: ۱۲ سال و بالاتر
• ساکسیفون: ۷-۸ سال
• فلوت: ۷-۸ سال
• کلارینت: ۷-۸ سال
• ویولن: ۴-۵ سال
• ویولا: ۶-۷ سال
• چلو: ۷-۹ سال
• ترومپت: ۸-۱۰ سال
• ترومبون: ۸-۱۰ سال
• گیتار باس: ۹-۱۰ سال

همان‌طور که می‌بینید، کودکان با انتخاب‌های متنوعی برای شروع یادگیری موسیقی مواجه هستند. هرچند که ما پیشنهاد می‌کنیم به سن مناسبی که برای هر ساز بیان شد، توجه داشته باشید. اما تاکید می‌کنیم که همیشه استثناء هم وجود دارد. برای مثال کودکی که قد بلندی دارد و نسبت به هم‌سالانش چابک‌تر است، می‌تواند یک تا دو سال زودتر از سن پیشنهادی ما، نواختن گیتار را شروع کند. یعنی با اینکه سن یادگیری گیتار را بین ۷ تا ۹ سال در نظر گرفتیم، در مورد برخی از کودکان می‌تواند ۵ تا ۷ سال، سن یادگیری گیتار باشد. در حالیکه کودکی که به سن ۱۲ سال رسیده، یعنی همان سنی که ما برای شروع خوانندگی مناسب می‌بینیم، اگر صدایش به بلوغ کافی نرسیده باشد، باید برای شروع سن خوانندگی صبر کند.

 

منبع: www.barabadpiano.com

رامین جوادی و نکاتی درباره تم اصلی موسیقی سریال بازی تاج و تخت

تم اصلی موسیقی سریال بازی تاج و تخت (موسیقی تیتراژ)، معروف‌ترین قطعه از میان قطعاتی است که رامین جوادی برای سریال بازی تاج و تخت ساخته است. پس از نمایش سه اپیزود از فصل هشتم، گویا در آستانه اتمام این سریال قرار داریم. به همین بهانه، در مجله پیانو باربد کمی به جزئیات تم اصلی موسیقی این سریال محبوب می‌پردازیم.

رامین جوادی برای سریال پرطرفدار «بازی تاج و تخت»در سال ۲۰۱۴، نامزد دریافت جایزه بهترین آهنگسازی جایزه امی (Emmy) شده بود ولی این جایزه را در سال ۲۰۱۸ برد. جوادی در دو سال متوالی۲۰۱۲ و ۲۰۱۳، جایزه بهترین موسیقی فیلم و سریال انجمن آهنگسازان، پدید‌آوران و ناشران آمریکا (ASCAP) را از آن خود کرد. سریال بازی تاج و تخت سال ۲۰۱۸، هم‌چنین برای اولین بار نامزد جایزه گرمی (Grammy) شد اما متاسفانه نتوانست این جایزه را دریافت کند.
خوب است اضافه کنیم که طی سال ۲۰۱۸، یکی از تصمیمات معمول تهیه‌کنندگان کنسرت‌های موسیقی این بود که کنسرت‌های زنده برای اجرای موسیقی سریال بازی تاج و تخت به صورت تور در سراسر انگلستان، آمریکا و کانادا برگزار کنند. با پخش شدن سه اپیزود از فصل هشتم که گویا آخرین فصل این سریال است، کمی به جزئیات تم اصلی موسیقی این سریال می‌پردازیم.

نام تم اصلی موسیقی بازی تاج و تخت (گیم آف ترونز) چیست؟

اگر به قطعات مختلف موسیقی‌هایی که در اپیزودهای مختلف این سریال پخش شدند دقت کنید، می‌بینید که رامین جوادی برای هر قطعه شاخص، نامی انتخاب کرده است، مثل قطعه «پادشاه شب» یا قطعه «نور هفت»، اما خود تم اصلی موسیقی متن این سریال چه نام دارد؟ نام این قطعه به سادگی، «تم گیم آف ترونز»، (Game of Thrones Theme) است! اگر به آلبوم ترک‌های موسیقی گیم آف ترونز نگاه کنید، نام این قطعه، «عنوان‌های اصلی» (Main Titles) است. موسیقی آغازگر سریال (موسیقی تیتراژ)، معروف‌ترین قطعه از میان قطعاتی است که رامین جوادی برای سریال بازی تاج و تخت ساخته است. آهنگساز بازی تاج و تخت برای بعضی از شخصیت‌ها یا خانه‌ها هم تم‌های جداگانه‌ای ساخته است. تم اصلی موسیقی بر تمام قطعات دیگری که برای این سریال نوشته شده سیطره دارد. رامین جوادی می‌گوید:

وقتی اولین نسخه سکانس‌‌های اصلی سریال را به صورت کامپیوتری دیدم، بسیار انگیزه گرفتم که یک موسیقی تصویرگونه، چیزی که منعکس‌کننده حال ‌و‌هوای سریال باشد را بنویسم.

نت تم اصلی موسیقی سریال بازی تاج و تخت را که به صورت واریاسیون‌های مختلف در طول سریال استفاده می‌شود، می‌توانید در ادامه مشاهده کنید:

نت‌ تم اصلی موسیقی سریال بازی تاج وتخت

چه سازهایی در تم اصلی موسیقی بازی تاج و تخت استفاده شده است؟

معروف است که وقتی تهیه‌کنندگان گیم آف ترونز برای ساخت موسیقی این سریال به رامین جوادی مراجعه کردند، او با حضور فلوت و ویولن که معمولا در سریال‌های فانتزی نقش اصلی اجرای ملودی را به عهده دارند، مخالفت کرد. او تصمیم گرفت که ساز اصلی برای اجرای تم این سریال را «ویولن سل» یا «چلو» انتخاب کند. ویولن سل به صورت تکنوازی قطعه را آغاز می‌کند، سپس یک ویولن با یک اکتاو بالاتر به صورت تک‌نوازی قطعه را دنبال می‌کند. سپس ملودی با ارکستر کامل با تمام ویولن‌ها وارد می‌شود، در لحظات پایانی قطعه یک ساز اسکاندیناوی وارد می‌شود که شبیه چنگ است. رامین جوادی در این باره می‌گوید:

شاید استفاده از ویولن سل فضای سنگین و سیاهی را تداعی کند اما همزمان زیبا و تاثیرگذار است و به نظر من برای این سریال بسیار کامل است چرا که فضای خود سریال سیاه و سنگین است و تمام خانواده‌های این سریال درگیر مشکلات خاصی هستند.

اجراهای متنوع (کاور ورژن‌) از تم موسیقی بازی تاج و تخت

اگر گشت و گذاری کوچک میان ویدیو‌های موجود در فضای مجازی داشته باشید، با جست‌و‌جوی عبارت «موسیقی متن سریال بازی تاج و تخت» یا «گیم آف ترونز» با انبوهی از اجراهای متنوع و متفاوت با سازهای مختلفی از فلوت و پیانو تا ویولن سل و چنگ رو‌به‌رو می‌شوید که گاهی واریاسیونی روی قطعه انجام داده‌اند. به این قطعات «کاور ورژن» هم می‌گویند. کاور ورژن، ضبط یک قطعه موسیقی است که پیشتر توسط یک هنرمند دیگر نوشته و اجرا شده و به بازار عرضه شده است.

گروه Break of Reality، یک گروه موسیقی چلو-راک آمریکایی است که از سه نوازنده ویولن سل و یک پرکاشنیست تشکیل شده است. آن‌ها سبک اجرای خود را سینماتیک‌راک (Cinematic rock) می‌دانند. معمولا این اصطلاح به مواقعی اطلاق می‌شود که موسیقی راک به صورت ارکستری اجرا می‌شود و هدفش انتقال حسی حماسی-سینمایی است. در ادامه اجرای این گروه را از تم اصلی موسیقی تیتراژ سریال بازی تاج و تخت می‌بینید.

ادامه خبر : www.barbadpiano.com

انواع گیتار: مقایسه گیتار آکوستیک (سیم فلزی) و گیتار کلاسیک (سیم نایلون)

شاید برای شما هم این پرسش به وجود آمده باشد که تفاوت گیتار کلاسیک و گیتار آکوستیک در چیست؟ یا اینکه انواع گیتار آکوستیک چیست؟ تفاوت صدای گیتار سیم فلزی و سیم نایلون چگونه است؟ در این مطلب، سعی می‌کنیم به این سوالات شما پاسخ دهیم و یک ویدیوی آموزشی هم برای درک بهتر مطالب مشاهده خواهید کرد.
در مطالب پیش‌تر در مجله پیانو باربد خواندیم که ساز لیر از روی ساز چنگ ساخته‌ شده است و در اساطیر یونان اختراع آن را به هرمس نسبت می‌دهند. گویا یونانیان باستان دو نوع ساز لیر داشتند، یکی به نام «لیرا» و دیگری به نام «کیتارا»، کیتارا به وسیله رومی‌ها تغییرشکل یافت؛ نام گیتار نیز از همین کلمه گرفته شده‌ است. گیتار شاید محبوب‌ترین ساز میان عموم مردم باشد. خیلی از علاقه‌مندان به گیتار، دوست دارند، نوازندگی این ساز را آغاز کنند. گام اول برای آغاز نوازندگی، انتخاب و خرید یک گیتار دلخواه‌ است و یکی از رایج‌ترین سوالاتی که اغلب علاقه‌مندان با آن رو‌به‌رو می‌شوند این است که گیتار آکوستیک (سیم فلزی) بخرم یا گیتار کلاسیک (سیم نایلون)؟

گیتار آکوستیک

پرسش اصلی این است که ساز آکوستیک چیست؟ احتمالا این اصطلاح را در خصوص سازهای دیگر هم شنیده باشید، مثلا پیانو آکوستیک یا ویولن آکوستیک. به طور کلی در سازهای آکوستیک، برای تقویت صدا از قطعه‌ای الکترونیکی استفاده نمی‌شود و صدادهی ساز صرفا با ساختمان ساز انجام می‌گیرد. در گیتار آکوستیک، بدنه ساز یا اصطلاحا سالن ساز توخالی است و کار تقویت صدا را به عهده دارد. در واقع، اصطلاح آکوستیک، یک اصطلاح پوششی است که شامل تمام انواع گیتار می‌شود که برای تقویت صوت‌ تنها از بدنه توخالی ساز استفاده می‌کنند و داخل ساز از میکروفن (پیکاپ) استفاده نشده است. به طور کلی گیتار آکوستیک، ۶ سیم دارد و به دو زیرشاخه اصلی زیر تقسیم می‌شود:
گیتار آکوستیک سیم استیل یا سیم فلزی (گیتار آکوستیک)
گیتار آکوستیک سیم نایلون (گیتار کلاسیک)
نکته اینجا است که گیتار آکوستیک سیم استیل (سیم فلزی) را عمدتا به تنهایی، «گیتار آکوستیک» هم می‌نامند که در برابر گیتار آکوستیک سیم نایلون قرار می‌گیرد که به «گیتار کلاسیک» معروف است. پس آنچه باید در ذهن داشته باشید که گیتار کلاسیک هم از نظر ساختمان ساز «آکوستیک» است.

گیتار آکوستیک

گیتار آکوستیک یا گیتار سیم فلزی

گیتار آکوستیک سیم فلزی، در واقع گیتار کلاسیک همه اعصار است. دقت کنید که می‌گوییم classic نه classical! گیتار آکوستیک سیم استیل، نمونه اصلی گیتار است و به همین دلیل کلاسیک‌ترین نوع آن است. اما وقتی اصطلاح «گیتار کلاسیک» را به کار می‌بریم که انگلیسی آن «classical guitar» می‌شود، منظور نوع دوم گیتار آکوستیک است که تفاوت‌هایی با گیتار آکوستیک سیم فلزی دارد. پس نکته این جا است که گیتار آکوستیک سیم فلزی، از نظر قدمت، کلاسیک محسوب می‌شود، اما اصطلاح «گیتار کلاسیک» برای گیتار آکوستیک سیم نایلون به کار می‌رود.

گیتار آکوستیک سیم فلزی یا گیتار آکوستیک، ۶ سیم از جنس فلز استیل دارد. تنوع اجرای این نوع گیتار از تمام انواع دیگر آن بیشتر است، یعنی شما می‌توانید آن را برای نواختن هر سبکی استفاده کنید و به اصطلاح یک ساز چندکاره است. در واقع همین سیم‌های استیل هستند که به این ساز قدرت می‌دهند در هر سبک و ژانری بتوان با آن نواخت. از گیتار آکوستیک بیشتر در سبک‌های جز، بلوز، کانتری و راک استفاده می‌شود. برای نواختن این نوع گیتار معمولا از پیک گیتار استفاده می‌شود، چراکه جنس فلزی سیم‌های عمدتا باعث بریدگی سر انگشتان نوازنده می‌شود. 

صدای گیتار سیم استیل، به‌خاطر جنس سیم‌هایش صدایی متالیک است. قدرت صدادهی این نوع گیتار آن‌قدر نیست که بتواند در فضاهای بزرگ، پاسخگو باشد، اما با این حال شما می‌توانید در جلوی سوراخ صدای آن یک میکروفن وصل کنید تا بتوانید برای پخش صدا از امپلی‌فایر استفاده کنید. یا حتی داخل محفظه آن یک پیکاپ نصب کنید تا صدا را تقویت کند. ضخامت سیم‌های فلزی گیتار آکوستیک، متفاوت است و از زیر به بم روی ساز قرار گرفته است. 

گیتار فلت تاپ و گیتار آرک تاپ

 اگر اصطلاح «گیتار فلت تاپ» (flat top) را شنیدید، بدانید که عمدتا منظور «گیتار آکوستیک سیم فلزی» است. خوب است بدانیم که بخش تاپ در گیتار، منظور صفحه چوبی روی ساز است که سیم‌ها روی آن قرار گرفته‌اند و در گیتار فلت تاپ، این صفحه برآمده نیست و کاملا صاف است. ضخامت چوب صفحه تاپ ساز، در صدای ساز تأثیر‌گذار است. گیتار سیم استیل یا گیتار آکوستیک، صدایی ایجاد می‌کند که جنس آن به طور محسوس با سایر انواع گیتار فرق دارد. اگرچه اصطلاح فلت تاپ عمدتا برای گیتار آکوستیک سیم استیل استفاده می‌شود، اما برای برخی از گیتارهای الکتریک هم به کار می‌رود. معمولا این اصطلاح رادر مقابل آرک‌تاپ (arch top) به کار می‌برند. چیزی که این نوع گیتار را متمایز می‌کند، صفحه رویی قوس‌‌دار آن است. صدای گیتار آرک‌تاپ برای موزیسین‌های سبک‌های جاز، بلوز، راک‌بلی و سایکوبلی محبوب است. این گیتار هم ۶ سیم دارد. صفحه رو و پشت آن قوس دارد و صاف نیست. پل آن قابل تنظیم و قابل حرکت است. سوراخ صدای آن به شکل f است (F-holes) و همین آن را به خانواده ویولن بسیار شبیه می‌کند. ما در مطلبی جداگانه درباره انواع گیتار الکتریک مفصل صحبت می‌کنیم.

گیتار آرک تاپ، گیتاری که از نظر ظاهر به ویولون شبیه است

گیتار کلاسیک یا گیتار سیم نایلون

در این نوع گیتار ۳ سیم بالایی که سیم‌های با صدای زیر هستند، از جنس نایلون هستند و ۳ سیم پایینی که سیم‌های باس هستند، هسته نایلونی با روکش فلزی یا نایلون درهم‌تنیده دارند. اگر به موسیقی اسپانیایی و سبک فلامنکو علاقه دارید، بدانید که از این گیتار در سبک های کلاسیک، فلامنکو و همچنین پاپ استفاده می‌شود. گیتار آکوستیک سیم نایلون یا گیتار کلاسیک همچون پیانو، به عنوان سازی تک نواز شناخته شده‌ است. 

تفاوت گیتار آکوستیک با گیتار کلاسیک

در ظاهر گیتار آکوستیک شبیه به گیتار کلاسیک است. اما گیتار کلاسیک به طور قابل‌ملاحظه‌ای کوچک‌تر از گیتارآگوستیک است. فرو رفتگی دو طرف بدنه گیتار که به «کمر» معروف است، در گیتارهای کلاسیک، باریک‌‌تر است و همین موضوع باعث می‌شود که نواختن آن‌ها در حالت نشسته راحت‌تر باشد. تفاوت عمده دیگری که در اندازه‌های گیتار آکوستیک در مقابل گیتار کلاسیک مشهود است، این است که گیتار کلاسیک نسبت به گیتار آگوستیک، فرت بورد یا گردن پهن‌تری دارد.

تفاوت ظاهری گیتار آکوستیک سیم فلزی را با گیتار کلاسیک ببنید

اما تفاوت اصلی و عمده این دو نوع گیتار این است که همان‌طور که گفتیم در گیتار آکوستیک، سیم‌ها از جنس فلز استیل هستند اما در گیتار کلاسیک، سه تا از سیم‌ها هسته نایلونی دارند و سه تای دیگر تماما نایلونی هستند. به همین دلیل صدای گیتار آکوستیک با داشتن سیم‌های فلزی دارای یک زنگ خاص است و همین طنین زنگ‌دار، باعث شده تا بیشتر در آهنگ‌های بلوز، کانتری، فولک و راک به کار رود. جنس نایلونی سیم‌های گیتار کلاسیک صدایی عمیق، ملایم و نرم‌تر به این نوع گیتار می‌دهد. همان‌طور که گفتیم در واقع تنها سیم‌های نازک‌تر از جنس نایلون تنها هستند، اما سیم‌های بم‌تر، فقط هسته‌ نایلونی دارند و روکش آن‌ها گاهی فلزی است.

علاوه بر این، این دو گیتار در برخی تکنیک‌های نوازندگی با هم تفاوت دارند. به این دلیل که دسته گیتار آکوستیک نسبت به گیتار کلاسیک باریکتر است و سیم‌ها به یکدیگر نزدیک ترند؛ لذا تکنیک هایی مثل آکورد گرفتن روی این ساز راحت‌تر است. البته اجرای صحیح و شفاف نت‌ها با این ساز قدرت بیشتری لازم دارد، چرا که سیم‌های این ساز فلزی هستند.

در مجموع، تمام این تفاوت‌های ساختاری موجب تفاوت رنگ صدا یا جنس صدا در ساز می‌شوند و از هیچ راهی جز گوش دادن به صدای هر دوی آن‌ها، نمی‌شود، متوجه تفاوت آن‌ها شد. به همین خاطر مجله پیانو باربد ویدیویی را که در ادامه می‌آید تهیه کرده است تا شما، عملا متوجه تفاوت‌ آن‌ها شوید.

منبع: www.barbadpiano.com